‘La Basilicata è in un vicolo cieco’, afferma Donato Faruolo, uno degli artisti da me selezionati per il progetto INDEX promosso dalla Fondazione SoutHeritage per l’arte contemporanea. L’intento del progetto è quello di creare una rete d’interscambio tra la scena artistica locale e quella nazionale e internazionale in grado di promuovere le emergenze culturali della regione, di far luce quindi in questo “vicolo cieco”. Addentrandomi in una strada che sembra senza vie d’uscita, ho rintracciato i difficili percorsi di cinque giovani artisti – Donato Faruolo, Massimo Lovisco, Monica Palumbo, Vito Pace, Michele Santarsiere - all’interno di un contesto asfittico, isolato, una sorta di caverna platonica da cui si intravedono appena le ombre della realtà al di là di essa. Partire da questo isolamento e dai meccanismi messi in atto per aggirarlo, per tentare di colmare un gap culturale indiscutibile rispetto ad altri contesti è a mio avviso indispensabile per capire la situazione artistica contemporanea in Basilicata e per individuare i fermenti culturali più interessanti. Nella distanza dal “sistema” dell’arte, nell’impegno continuo alla ricerca di un linguaggio che sia personale ma che al tempo stesso sappia leggere il mondo contemporaneo nella sua globalità al di fuori di mode e tendenze, nel continuo slittamento da una dimensione intima ed anarchica ad una tensione verso la sperimentazione e la ricerca più attuale risiede la significatività culturale della nuova generazione artistica lucana. E con il termine “nuova” intendo sottolineare la distanza di questi artisti dalle generazioni che li hanno preceduti, quelle che, dal dopoguerra in poi, hanno rintracciato il loro mondo poetico nel richiamo alla cultura contadina, ai suoi ancestrali valori “scoperti” dagli antropologi degli anni Cinquanta in un clima di nuovo umanesimo e ansie di riscatto sociale. In quegli anni i territori attraversati dalle lotte per la terra, l’Italia agricola che si risvegliava al richiamo della Storia grazie all’interesse degli intellettuali militanti - la Basilicata, l’Abruzzo, il Molise, la Calabria - diede vita ad una sorta di koinè culturale di stampo meridionalista che si traduceva, in campo figurativo, in un’arte realista interessata a tematiche sociali. Ad esse si associava un’indagine del paesaggio tutta intrisa di emotività espressiva: un paesaggio aggredito da luci taglienti e colori accesi, lugubri e lirici ad un tempo. La visione ambivalente della natura, che alternava cupezza e solarità, crudezza e dolcezza, era di certo influenzata dall’ideologia meridionalista sospesa tra l’idea edenica di un Sud dai valori puri e immutabili e la denuncia di un Mezzogiorno sciagurato di miseria e ingiustizia sociale, tutto da riformare. Questo movimento ideologico e culturale, se ha avuto l’indubbio merito di restituire una storia e una tradizione, diciamo pure una identità, alle popolazioni del centro-Sud fino ad allora colpevolmente dimenticate, se è stata fecondo humus per poeti e artisti meridionali, si è a lungo andare trasformato in un cliché, uno stereotipo che ha ingabbiato gli artisti meridionali, tra cui quelli lucani, in uno stanco ripetersi di forme ormai prive di alcuna presa sulla realtà contemporanea, profondamente mutata. Negli anni Ottanta gli artisti lucani, di fronte ad una situazione che ormai si profilava di profondo isolamento culturale – la mancanza di un’Accademia di Belle Arti, di un Museo dedicato all’arte moderna e contemporanea, di gallerie d’arte e di fondazioni – hanno reagito costituendosi in associazioni e gruppi, hanno fondato riviste e organizzato mostre allo scopo di colmare il divario tra la cultura nazionale e quella locale. Queste iniziative, che dimostravano comunque una vivacità intellettuale e un interessante tentativo di reazione al sistema centralizzato dell’arte, avevano, a mio avviso, la debolezza di far ricorso agli stessi valori della generazione del realismo, apparentemente rinnovati dal linguaggio post-moderno della Transavanguardia. Si rivolgevano inoltre alla stessa committenza pubblica, e di partito, incline alla mitologia populista, alla promozione di una immagine della regione incontaminata, popolata di fantasmi e simboli fuori del tempo, in eterna attesa di una mitica quanto improbabile palingenesi. Non si vuol dire che il dramma tra politica e natura nella ricerca degli artisti lucani fosse inattuale ma che la strada da seguire fosse preferibilmente quella di un ripensamento del rapporto tra Uomo e Natura alle soglie del XXI secolo, seguendo le orme di Beuys, piuttosto che la ripresa di una visione ideologizzata, o mitica, di tale rapporto. La mia ricognizione della scena artistica attuale in Basilicata ha messo in evidenza l’assenza della tematica contadina nelle opere dei giovani artisti, in esse non c’è alcun ricorso ad antichi miti e leggende né la nostalgia di un passato arcadico in cui rifugiarsi. Gli artisti nati e cresciuti dopo la caduta del muro e delle ideologie nella Basilicata del post-terremoto, la regione della ricostruzione di cemento e delle discariche nucleari, delle estrazioni petrolifere e delle multinazionali di acque minerali, non solo non fanno riferimento alla pittura lucana degli ultimi 50 anni ma spesso ne ignorano la produzione. È una generazione che si è posta da subito e volutamente di fronte alla vertigine di un vuoto assoluto, una condizione di azzeramento da cui partire per una ricerca, per lo più solitaria, libera di cercare i propri modelli dove meglio crede. L’approccio dei creativi lucani all’arte è stato necessariamente indiretto, “mediato” da immagini di catalogo, scritti teorici, studi artistici e soprattutto da internet, uno sconfinato archivio di fotografie e video cui attingere. La produzione artistica che viene fuori da questo particolare stato di cattività ha anch’essa un carattere mediato, concettuale, nasce come un interrogarsi su se stessa, ha bisogno di definirsi e di definire i suoi canali di trasmissione e di comunicazione per esistere. E’ una continua verifica, fatalmente incerta, di questioni linguistiche e tecniche, un’indagine analitica sui media artistici, sulle loro potenzialità e sulla possibilità di diffusione di essi. Non è certo un caso che la maggior parte di questi artisti si esprima tramite fotografie e video digitali, facilmente riproducibili e trasportabili, che alcuni di loro abbiano identità e gallerie virtuali dove esporre, che partecipino soprattutto a progetti multimediali e, in alcuni casi, facciano del prêt-à-porter un valore artistico in sé. Massimo Lovisco (Potenza, 1976), pone la Provincia come parte essenziale della sua poetica, portatrice di sguardi trasversali, di visioni alternative, sottilmente critiche e ironiche del mondo contemporaneo, di pensiero non conforme che trova canali indipendenti per diffondersi e sopravvivere. L’idea di un’arte ‘popolare’ che sia alla portata di tutti, è l’unica eredità della generazione del realismo sociale, idea svincolata, però, da ogni organizzazione di partito, del tutto autarchica e autosufficiente. Polemica verso un sistema ottuso che s’impone anche visivamente, e urbanisticamente, con la sua politica dissennata e irrazionale è anche la visione estetica di Donato Faruolo (Potenza, 1985), puro, etereo pensiero sottoforma di immagine digitale: la più evanescente delle forme artistiche contro la cementificazione della coscienza. La sistemazione apparentemente rigorosa e geometrica del mondo fenomenico in realtà rivela, o nasconde, una metrica a-simmetrica: a volte un intoppo, una specie di impaccio visivo, a volte un ‘trucco’, una (finta) illusione, o la reiterazione di una stessa immagine fanno scattare la molla della riflessione sul ‘vedere’ e sui rapporti tra la realtà e la visione di essa. La riflessione estetica assume un valore etico, come se innescarla possa suscitare nella coscienza una visione critica del reale, una sorta di antidoto all’accettazione passiva di interventi sul territorio del tutto privi di senso estetico e civico. Avido divoratore d’immagini, Michele Santarsiere (Potenza, 1976), potrebbe davvero essere cresciuto ovunque perché il suo immaginario si è formato sullo sconfinato universo mediatico contemporaneo. Una immaginazione sfrenata e sensuale traduce in visioni grottesche, inquietanti o potentemente carnali il suo oscuro mondo interiore. Il corpo e le sue metamorfosi, il desiderio, la vita e la morte sono i suoi temi, tradotti in una estetica molto personale ed originale. Le atmosfere sospese o claustrofobiche, i paesaggi incombenti, gli strani personaggi danno accesso ad un mondo affascinante e splendidamente sinistro quanto misterioso, un mondo fatto tutto di immagini mentali che l’artista costruisce con maniacale precisione. L’esigenza di un approccio diretto, materiale con l’arte spinge in questo caso l’artista a concentrarsi sulle potenzialità tecniche dei media per la creazione del suo mondo poetico. Singolare è che egli parli di ‘sporcarsi le mani’ riguardo la genesi delle sue opere, come a rimarcare l’azione di manipolare fisicamente le sue evanescenti immagini digitali. Vito Pace (Lussemburgo, 1965), fa parte di una generazione precedente rispetto agli altri artisti della selezione. Alcune caratteristiche della sua produzione lo accomunano ai più giovani creativi: l’approccio mentale e meta-cognitivo piuttosto che pulsionale nei confronti dell’arte, la scelta di un azzeramento rispetto alla tradizione, la riflessione sui media artistici come parte integrante dell’opera, l’interesse per un’arte globale che metta in comunicazione mediale realtà artistiche fisicamente lontane, l’arte come evento piuttosto che come oggetto. Rispetto agli altri artisti lucani si avverte però l’apporto significativo dell’approccio diretto con una tradizione estetica diversa – Vito vive in Germania – e il dialogo tra la sua indole di meridionale, ironica, dissacrante, lirica, e il rigore, la pulizia razionale della visione nordica. Pace, inoltre, utilizza diversi media, la pittura, la scultura, la performance, il video, la Net-Art, e possiede una perizia manuale, direi quasi “artigianale”, che paradossalmente utilizza per annullare il senso del ‘fare’. L’arte è un gioco “inutile” che proprio in questa emancipazione dal fare artistico sprigiona il suo messaggio di assoluta libertà intellettuale. Anche Monica Palumbo (Matera, 1972), l’unica materana dei cinque, utilizza tecniche artistiche differenti, compresa la pittura e il disegno, mentre i giovani potentini hanno una preferenza per la fotografia digitale. Nella città che gli urbanisti del dopoguerra avevano eletto ad anti-metropoli, la Matera dei vincoli familiari indissolubili, Monica gioca a interpretare il ruolo della bad girl metropolitana per ricacciare lontano da sé il ruolo subordinato che la società di origine contadina aveva assegnato alla donna per secoli. Da questa prospettiva particolare, l’artista espone ambiguamente il suo corpo alla mercificazione della società contemporanea e si prende la libertà di provocare sia i moralismi del suo contesto d’origine che la falsa emancipazione della società consumistica. Un percorso di riappropriazione della propria identità che parte necessariamente dalla ridefinizione delle sensazioni fisiche e corporee come conquista intima e personale ma anche come affermazione sociale di donna e di artista meridionale del nostro tempo. Il progetto INDEX come percorso di osservazione, ricerca e studio del reale panorama artistico lucano è un passo importante per la creazione di un sistema dell’arte che sia alternativo a quello ‘ufficiale’ ma che sappia connettersi ad esso in un continuo scambio di stimoli e impulsi capaci di valorizzare la specificità artistica dei centri minori senza condannarli all’isolamento. Un sentiero che apre una breccia nel vicolo cieco.